일곱 개의 눈, 그 빛나는 시선들 展
Seven Eyes, Those Shining Gazes
예술의 숲을 만들다
김명식 · 김경복 · 권숙자 · 양태모 · 유인수 · 신영진 · 허계
양태모 교수, 김종근 평론가, 유인수 교수, 김명식 교수, 권숙자 교수, 김경복 교수, 허계 교수, 신영진 교수
전관 (1관, 2관)
2026. 10. 20(화) ▶ 2026. 11. 22(일)
경기도 용인시 처인구 이동읍 이원로 244 | T.031-323-1968
"일곱 개의 눈, 그 빛나는 시선들"을 기획하며
<예술의 숲을 만들다.>
권숙자 안젤리미술관장
단풍이 화려한 옷을 입는 가을! 권숙자 안젤리미술관에서는 특별기획전을 마련했습니다.
이번 기획을 통해 예술가이자 교육자로 살아 온, 7인의 전, 현직 대학교수들을 통해 각기 다른 시선으로 구축해 온 그들의 예술세계를 새롭게 조명하고자 합니다.
화가와 교육자로서 한국화단에서 자기만의 독창적인 색채와 형태, 예술철학을 지니고 활발한 활동을 하고 있는 <김명식, 김경복, 권숙자, 양태모, 유인수, 신영진, 허계> 작가들입니다.
상아탑에서 <예술의 숲>을 만들며 한국 화단을 풍성하게 가꾸어 온 화가이자 교육자들이 대학에서 제자들과 함께했던 시간을 추억합니다.
교육자로서의 삶은 후진을 양성하는 일에 헌신하면서도 자신의 예술세계를 끊임없이 탐구하고 창작의 길을 지켜 나가는 여정이었습니다. 제자들에게 예술의 기초와 조형의 원리를 가르치는 동시에, 스스로도 자연과 인간, 사물에 대한 새로운 시각을 모색하며 자신만의 예술 언어를 구축해 왔습니다. 가르침과 배움이 함께하는 시간 속에서 작가로서의 열정을 이어 가고, 교육자로서의 사명과 예술가로서의 정체성을 함께 일구어 온 것입니다.
<일곱 개의 눈, 그 빛나는 시선들>을 통해 자연과 인간과 사물을 재해석하고 표현하며 자신의 예술세계를 수련함과 동시에 후진을 양성하는데 평생을 바쳤고, 또 바치며 화단에 기여하고 있는 예술가들입니다.
그들이 키워낸 미술인들은 성장하여 거대한 <예술의 숲>을 이루는 나무나 꽃으로 피어 풍요로운 <문화의 정원>을 만들고 있을 것입니다.
이들 내면의 조형 언어가 수많은 미술애호가, 또는 미술지망생에게 미친 영향은 지대하리라 믿습니다. <문화의 맥(脈)>을 이어온 이 예술가들의 발자취는 세계를 향한 K-Culture에도 많은 영향을 미쳤을 것입니다.
K-Culture가 세계에서 문화를 확산시켜며 나아갈 수 있었던 원동력은 예술가들이 지닌 예술혼과 교육이 였으며 이에 한국 문화의 숲은 더욱 아름다운 정원으로 가꾸어 졌을 것입니다.
현재 한국 문화의 자부심은 전 세계 사람들의 심금을 울리며 <향기롭고 아름다운 문화의 꽃>으로 피어나고 있습니다.
김구 선생께서는 그 어려웠던 시대에도 우리나라가 세계에서 가장 부강한 나라가 되기보다, 가장 아름다운 나라가 되길 원한다 하셨습니다. 오직 한없이 가지고 싶은것은 <문화의 힘>이라고 강조하셨습니다.
이번 특별기획전의 목적은 아름다운 예술의 숲을 가꾸고 만들어 온 <일곱 개의 눈, 그 빛나는 시선들>이 수십만 개의 빛나는 시선들로 확산되어 거대한 예술의 나라를 이루었으면 합니다.
그리하여<문화의 힘>으로 가장 아름다운 나의 나라를 만들고, 가장 부강한 문화강국이 되길 바라는 마음입니다.
일곱 개의 눈, 그 빛나는 시선들이 많은 사람에게 문화 향유의 기회를 제공하는 뜻깊은 전시가 되었으면 합니다.
개성이 넘치는 일곱 작가의 작품 앞에서 여러분도 빛나는 눈이 되어보시길 바랍니다.
이 <예술의 숲>으로 여러분을 초대합니다.
2026.10.20
일곱 개의 눈, 그 빛나는 시선들 전시장 전경
일곱 개의 눈, 그 빛나는 시선들
- 예술의 숲을 만들다.
김종근 미술평론가
여기 평생을 예술과 함께 그리고 학생들을 위해 자신의 모든 작품세계를 바친 천사 같은 7명의 예술가들이 있다. 이름하여 “일곱 개의 눈, 그 빛나는 시선들”에 함께 모인 7명의 대학 교수 출신의 작가들이 그들이다. 그만큼 그들의 영혼과 예술은 교육자처럼 숭고하고 천사처럼 아름답다. 이들이 함께 모인 곳은 다름 아닌 이태리어로 「천사들」이라는 의미를 가진 용인의 「권숙자 안젤리미술관」이다.
교육도 그러하지만, 진정한 예술과 미술의 가치는 미(美)의 역할 뿐 아니라, 선(善)의 역할 또한 포함해야 한다. 이는 「권숙자 안젤리미술관」의 설립 취지와 다르지 않다. 미술관이 지향하는 미와 선, 그리고 인간다움을 추구하고자 하는 삶과 예술관의 목표와 그대로 일치한다.
그래서 이 일곱 명의 훌륭한 화가이자, 동시에 교육자들이 우아한 미술관에 함께 모여 그 첫걸음을 내딛는 것은 중견 작가들이 보여주는 가장 큰 의미 있고 숭고한 발자국이다.
1. 권숙자 교수(강남대학교)는 초기에는 사실적이고 구상적인 회화에서 출발하여, 1977년 ‘삶’이라는 작품의 테마로 시작했다. 주제로 본다면, 현실의 삶과 인간적인 고뇌를 여인의 일상에서 픽업한다. 그래서 이 작가를 그 풍경을 비교적 따뜻한 시선으로 화폭에 그려낸 보기 드문 휴머니스트 예술가로 구별된다.
“그림을 그리는 일은 구원”이었다고 고백한 권숙자 교수는 세상의 시간을 산책하는 회상의 정원을 거닐면서, 그 모든 삶의 이야기를 열정적으로 고스란히 화폭에 모두 담아냈다. 그래서 교육자와 화가라는 두 개의 양산을 드리우며 회화적이면서도 문학적인 서정성을 구축할 수 있었다.
특히 자연에 대한 깊은 사유와 관찰을 통하여 자연과 인간이 하나가 되는 상상의 행복한 세계에 정착한 것이다. 그래서 그의 회화는 마치 ‘이상향’의 구현이자 ‘에덴동산’ 같은 공간의 창조가 가능했다. 그는 기본적 회화의 표현 양식을 부조 기법을 쓰면서 두면서 부드럽고 동화적인 스토리를 동심에 물들게 한다. 그것을 바탕으로 탁월한 형상성에 삶의 이야기를 조화시켜 풀어낸 것이 권숙자 작품의 서정적 동화적 가치이다. 그의 회화가 무엇보다 따뜻하고 행복하고 평화로운 감정을 듬뿍 안겨주는 가장 큰 이유이기도 하다.
2. 허계 교수(세종대학교)는 일찍부터 ‘소나무 작가’로 이미 명성을 알렸다. 작가는 한국의 자연, 특히 소나무를 비롯하여 꽃, 정물, 연 등 다양한 소재를 가지고 사실적이기보다는 변형하면서 2차원의 평면으로 그 표현의 독창성을 확립했다.
대부분 화면 가득 소나무를 자유스러운 변형과 허계식 패턴으로 배치하면서 표식화 한 것이다. 그는 자연물의 외형을 묘사와 표현하는 데 그치지 않고 자연 대상을 표현하면서 동시에 내면의 세계에 대상이 가진 원초적인 생명력과 기운을 회화화 했다.
마침내 이런 강렬한 형태와 색채로 시각화하여 허계만의 양식화를 가능케 했다. 특히 수직과 사선의 강렬한 필체와 색채 등이 화면의 조화를 격조 있게 추구한 것이 이채롭다.
무엇보다 표현형식이 구상성을 가지면서 여성의 감성을 뛰어넘는 남성적인 붓질이 인상적이다. 게다가 과감한 형태의 창출이라는 그만의 구성으로 한국적 정서와 현대적 조형미를 구축했다는 평가를 얻고 있다.
3. 양태모 교수(단국대학교)의 작업의 원천은 많은 예술가들이 자신의 고향에서 예술의 뿌리를 찾은 것처럼 서해안 일대의 기억에서 출발한다.
이 지역 특산인 전통 재료인 닥나무(한지 섬유)를 기반으로 한산에서 어머니의 손끝을 작가는 아주 특별히 기억한다. 그래서 작가 작품의 입체적인 다양한 입체적인 원풍경은 바로 어머니의 힘들었던 삶을 작가는 화폭에서 기억하고 부활시킨다.
그 기억을 토대로 입체와 평면의 경계를 아우르면서 닥나무 연작이 양태모 작품세계에 비중 있게 자리한다.
그리하여 자연의 원초적 질감과 생명의 숨결을 서정적이고 시적인 정취로 시공간을 초월한다.
이처럼 양태모 교수는 한지가 가진 동양적 정신성과 빛이나 미디어의 세계를 서사적 스토리로 풀어내는 강인한 특질성을 보유하고 있다.
특히 남다르게 화면에 밀도 높은 표현과 인간 삶에 대한 부활의 입체적 시공간은 인상적이다.
그것이 가능한 배경에는 재료 면에서 닥나무 섬유와 빛으로 빚어낸 이 작가의 정신성이 바로 생명의 숨결 속으로 우리를 가슴 깊게 안내하는 결정적 매력이 되고 있다.
4. 신영진 교수(한남대학교) 역시 기억 속의 풍경을 중요한 작품세계의 중요한 테마로 삼고 있다.
2013년 연구년을 계기로 미국에 간 것이 그의 작업에 중요한 계기가 된 것으로 알려져 있다.
뉴욕에 머물게 된 작가는 도시의 상가 유리창을 가리고 있던 종이와 테이프, 그리고 “NYC Permit Department of Buildings(건물 내부 공사 허가)”라는 스티커 등을 관찰하면서도 도시 문명의 아이러니한 풍경과 뒷면을 날카롭게 포착했다. 그리고 그 메시지를 담은 이미지를 회화 작품으로 격조 있게 형상화했다.
신영진 교수는 이렇게 현대 사회가 만들어 놓은 도시의 이면과 환경을 독특한 시각으로 특징적으로 다루고 있는데, 그 근원이 바로 ‘내부 수리 중(Internal Repair)’이란 시리즈의 출발인 것이다.
자본주의와 문명 속에서 끊임없이 변화하는 모든 현실에서 산업사회의 전형적인 풍경을 회화적 이미지로 재구성하며 동시에 그 이면에 감춰진 의미와 모순을 직시한다.
그 안에서 작가는 진실 되게 인간의 꿈을 캔버스 진실하게 표현해야 한다는 시선을 지킨 것이다.
특히 현대회화의 사회적·문명적 비판의 메시지를 세련된 구성과 조화로운 색채로 조형화 시키고 있는 기법과 형식이 매우 인상적이다.
5. 유인수 교수(상명대학교)는 일상적 이미지의 추상화와 우상을 파괴하는 작품으로 한국미술에서 특징적으로 거론되고 있는 작가이다. 작가는 회화의 정통적인 규율과 회화의 세계를 지키면서 동시에, 독창적인 조형의 세계를 구축해왔다. 화면에서는 선과 형태를 그만의 구성과 특별한 감성으로 개입시키는 것이다. 굵은 선과 면 분할로 회화의 조형미를 결합시킨 회화의 세계를 특징으로 하고 있다.
그 원형을 유인수 작가는 대부분 일상 속에서 발견하는 보편적인 형태들을 가공하는 이미지들 중요한 원천으로 삼고 있다.
뿐만 아니라 과감한 기하학적 분할과 단순하고 강렬한 선을 통해 완전한 추상 회화로 승화 시키는 독자성을 획득하고 있다. 이렇게 ‘파괴된 우상’ 등의 연작에서 보이듯 관념화된 시각적 프레임을 넘어서 순수한 조형 즉 선, 면, 색에 비중을 둔 것이 예술 감각을 집중시킨 작가로 불리는 것이다.
6. 김명식 교수(동아대학교) 그는 ‘이스트 사이드 스토리’로 대변되는 아름답고 행복한 집으로 화합을 꿈꾸는 작가이다. 초기 그의 작품 세계는 70년대 고덕동 고향 풍경을 담은 ‘고데기’마을 시리즈에서 시작된다. 그 이후, 미국 뉴욕 롱아일랜드 연구교수 시절 도시와 거리의 영감을 받은 작품들이 현재에 이르고 있다.
‘이스트 사이드 스토리(East Side Story)’연작을 평생의 화두로 다루면서 일본에서까지 색채와 조형성에서 큰 주목을 받고 인기를 얻고 있다.
작품의 화면 속 오밀조밀 모여 있는 다양하고 아름다운 ‘집’의 형태와 색상은 뉴욕 전철 창밖으로 스쳐 지나가던 교환교수 시절의 모든 인종의 얼굴들을 은유적으로 상징한다.
집이라는 가장 평범하고 따뜻한 형태가 회화의 중심이 된 것이다.
이것은 마치 다인종·다문화 사회의 갈등을 회화로 포옹하고 화해시키는 상징을 만들어 낸 것이다. 여기에는 ‘화합과 공존’이라는 작가의 속 깊은 애정과 인간 사랑이 그림으로 탄생된 사례로 평가된다.
7. 김경복 교수(가천대학교 미술대학)는 ‘기억’과 오토마티즘의 회화로 심볼처럼 불리는 작가로 유명하다. 그의 작품의 특질은 인간의 본질적인 내면을 탐구해 온 작가로 스스로 “나는 그리지 않는다. 다만 스며들고 드러낼 뿐이다”라는 고백에서처럼 작품의 중심이 자연적이고 명상적이다.
회화란 “뇌리에 스쳐 지나간 순간적인 기억의 표현”이라고 정의하는 것과 아주 절묘한 일체감을 이룬다. 그는 어떤 혹은 무엇인가를 묘사하거나 재현(그리기)하기보다는, 캔버스 위에 물감이 스며들고 번지며 자연스럽게 드러나는 사유적인 표현방식의 기법을 취하고 있다.
그는 특정한 미술의 이념이나 조형적 경향에서 벗어나는 자유로운 예술형식을 특징으로 하고 있다.
현실의 욕망과 집착에서 벗어나 자유로움을 가지는, 예를 들면 자신의 느낌과 체험을 자동 기술법에 가깝게 캔버스에 스며들게 하는 초월적인 제작이 김경복 교수의 회화적 특질이다.
그리하여 특히 보는 이들에게 특정한 이념이나 형상을 자유롭게 열어두는 가장 열린 화가라는 이름을 얻게 되었다.
회화의 요소에서도 화면의 질감과 색채를 풍부하게 전해주는 서정적이고 철학적인 추상 회화의 절정을 유감없이 보여주는 점에서 또 다른 주목을 받고 있는 것이다.
이렇게 7명의 시선으로 볼 때 이들의 모든 시선은 특별하고 남다르며 독창적이다.
거기다 특별하기까지 하다.
이런 전시를 「인간다움」을 만들어주는 것이 문화의 가치와 역할이라고 믿고 있는 「안젤리 미술관」에서의 기획은 그래서 참으로 소중하고 가치도 있고 미술사적 의미도 남다르다.
이 아름답고, 의미 있는 창조의 씨앗이 더 크게 자라, 부디 큰 예술의 무성한 정원이 만들어지길 소망한다.
그 계절이 가을이어서 예술의 풍요한 숲의 축제가 더욱 빛날 것이다.
안젤리 정원의 거대한 고목 아래 더 많은 예술가의 꿈과 영혼이 오래도록 그리고 해마다 펼쳐지길 희망한다.
김명식 作_East side F-01_260.0x162.2cm_Oil on canvas_2025
작가노트
학교 바로 뒤에 구덕산이있다.
이곳은 부산 서구와 사하구를 잇는 산으로 중턱에 약수터와 체육공원이 있는 시민들의 휴식공간이다.
늘 산행하는 시민들로 붐빈다.
지척에 있어 가끔 학생들과 현장 스케치를 한다.이보더 더 좋은 산 공부는 없다.
산 중턱엔 약수터가있어 시원한 약수물 한잔하면 속이 다 시원하다.
그리고 산림욕은 덤이다.
그런생활이 어언 11년이 지났다.
이젠 추억속의 기억으로만 남는다.
김경복 作_Memory-2026-1 6월_130.3x97.0cm_Acrylic on canvas_2026
작가노트
“나는 그리지 않는다, 다만 스며들고 또 드러날 뿐이다.”
나의 작품은 추상도 아니고 구상도 아니다. 어떤 회화적 이념이나 특정 경향에 얽매이거나 거기에 스스로를 적응시킴이 없이 나의 느낌, 나의 생각, 삶의 체험 그리고 회화에 대한 열정을 거의 오토매틱하게 화면에 옮겨 놓는 것이다.
나의 작업은 모티브적인 측면보다는 표현적인 측면에서 초현실적인 경향을 지니고 있다. 자동기술적 혹은 무의식이거나 우연적인 표현 요소들이 반복과 중첩을 거듭하며 또 다른 형상을 만들어 내게 된다.
처음부터 내가 그리지 않았던 것은 아니었다.
물감의 퍼짐과 흐름과 만남과 압축된 모든 형상들은 화면에서 색채들의 자유와 생명성이 평화롭게 퍼져나가고 있음을 보게 된다
현실의 욕망이나 집착과 거리를 두고 한걸음 뒤에서 관조하는 듯한 평면으로 완성될 때, 색채의 순수함과 형상의 자유로움이 자연스럽게 너울거릴 때, “나는 그리지 않는다, 다만 스며들고 또 드러날 뿐이다”라고 감히 말해보는 것이다.
권숙자 作_행복한 질주(Joyful joumey)_160.2x130.3cm_Mixed Media_2026
작가노트
미술이 생활이 되고, 생활이 미술이 되며 나의 화폭은 언제나 내 안에 흐르는 비애의 강물을 평화나 희망의 물결로 승화시키고 있다.
뭉크Edvard Munch의 직설적 표현보다 모차르트Wolfgang Amadeus Mozart의 표현법을 나는 선호하게 된다.
나의 작업은 삶을 이어가는 구원이 되고 있다.
생활속 주변의 모든것이 재료(쌀 · 보리 · 노끈한지 · 비즈 · 동판 · 알루미늄판 · 반짝이 · 은박지 · 색지 · 드락 · 아이스 핑클 · 천 등)로 사용 되고 있다.
내 작업의 정체성은 부조(Relief)이다. 물감만을 사용하지 않고 형상을 빚고 다듬고 갈아 화폭에 붙인 후, 다시 물감을바르기에 그 과정은 구도자와도 같다고 여긴다.
화폭 안에 바치는 <무조건 사랑과 희생>이 내가 살아가는 이유이고 호흡하는 가치나 보람으로 여긴다.
오늘도 삶의 편린들을 빚고 또 빚고 얹고, 오리고, 바르며 <그림은 구원이다>라고 전하고 있다.
양태모 作_Light-Karma&날다_닥종이 겹겹배접, 설치_1300x530cm_2026
작가노트
축적과 반복으로 형성된 기억의 지층, 그 시간의 물질성
의미의 시작
인간이 삶을 지탱하는 가장 원초적인 정신적 지반은 태어나고 자랐던 곳에서 바라봤던 원풍경(原風景)에 뿌리를 두고 있다. 고향은 단순한 지리적 좌표를 넘어, 한 개인이 세계를 지각하고 감각하며 관계를 맺는 시각적·정서적 태도의 원형이 태어나는 장소다. 그러나 현대 문명의 가파른 자본적 욕망과 산업화의 거대한 톱니바퀴는 수많은 이들의 원풍경을 폭력적으로 지워버렸고, 그 자리에는 기존의 가치가 굴절되고 변질된 새로운 의미의 지층이 강제로 덮였다. 갤러리 우르르에서 마주하는 양태모 작가의 이번 개인전 <의미의 굴곡>은, 시대의 거친 굴곡 속에서 상실되고 변형된 삶의 지층들이 작가의 집요한 노동과 매체의 원초적 물성을 통해 어떻게 거대한 조형적 서사로 발현되는지를 묵직하게 드러내는 현장이다.
조형적 언어가 움트는 출발점은 한산과 더불어 모시 생산업으로 역동적으로 발달했던 서해안 일대의 기억으로 거슬러 올라간다. 어린 시절 작가의 시선이 가장 오래, 그리고 가장 깊게 머물렀던 곳은 어머니의 손끝이었다. 마음속 깊은 곳에는 그림을 향한 뜨거운 열정을 품고 계셨지만, 시대적 한계와 생계유지라는 차가운 현실의 무게 앞에서 그림 대신 묵묵히 모시와 닥종이 일을 일구셔야 했던 어머니의 삶. 그 고된 노동과 헌신의 풍경은 소년에게 단순한 일상이 아니라 깊은 각인이었다. 삶을 버텨내기 위해 끊임없이 만지며 다듬어야만했던 모시와 닥종이의 거칠면서도 따뜻한 물성은, 훗날 작가가 1990년대부터 자신의 예술적 표출을 위한 필연적인 소재로 닥종이를 맞이하게 된 가장 자연스럽고도 숙명적인 서사적 토대가 되었다. 어머니의 예술적 염원은, 작가의 손끝에서 닥종이라는 원초적 매체를 통해 시공간을 건너뛰어 새롭게 부활한 셈이다. 그러나 이 따뜻하고 유기적이던 원풍경은 얼마 지나지 않아 거대한 산업화의 폭풍 속으로 파묻히게 된다. 작가가 자란 서해안 일대의 동네에 거대한 철강 산업 단지가 들어서면서, 우리가 으레 낭만적으로 떠올리는 ‘고향’이라는 단어 자체가 지도 위에서, 그리고 사람들의 내면에서 영영 사라져 버린 것이다. 개발이라는 명목 하에 들이닥친 자본의 논리는 물리적인 자연환경을 파괴한 것에 그치지 않고, 그곳을 딛고 살아가던 공동체와 인간성의 내면까지 철저히 굴절시키고 붕괴시켰다.
유인수 作_일상적 이미지2_100.0x80.3cm_Acrylic on canvas_2026
작가노트
나는 요즘도 꿈을 꿀 때면 극한의 상황을 자주 마주한다. 그때마다 소리를 지르며 잠에서 깨어나곤 한다. 문득 왜 그런 꿈을 반복해서 꾸는지 돌아보면, 아직도 내 안에 남아 있는 과도한 욕망 때문이라는 생각이 든다. 그러나 역설적이게도 그 욕망은 창작의 에너지가 되어 오늘도 나를 캠버스 앞에 붙들어 놓는다.
나의 회화 작품은 기억과 망각, 그리고 방황의 흔적들이 이어진 기록이다. 작품을 통해 순간을 영원으로 붙잡고자 했으며, 타와의 만나 속에서 일어나는 초월과 끊임없이 솟아나는 욕망을 다스리기 위해 오늘도 캠버스 위에 덧칠을 거듭한다.
내가 미술학교를 졸업한 뒤 60여 년 동안 작품 활동을 이어올 수 있었던 바탕에는 몇 가지 중요한 동력이 있었다.
첫째는 대학 시절 임영방 교수님께 배운 '진실성(Reality)'의 개념이다. 그것은 단순한 사실의 재현이 아니라, 예술이 지녀야 할 본질적인 진실을 깨닫게 해준 가르침이었다.
둘째는 프랑스 디종국립미술학교에서의 경험이다. 그곳에서는 작품의 완성도보다 '이 작업이 얼마나 필연적인가, 얼마나 절실한가'를 평가의 중심에 두었다. 그 치열한 예술적 태도는 나의 작업 세계에 깊은 영향을 주었다.
또한 근대 미술평론의 출발점이라 할 수 있는 프랑스 시인 보들레르의 미술이론, 곧 인간의 내면세계를 중시하는 모더니즘 사상은 나의 예술관을 형성하는 중요한 토대가 되었다.
사회학자 막스 베버는 "체계의 쇠창살 속에서 사는 것이 근대인의 운명이다."라고 말했다. 나는 오랫동안 이 말을 마음에 새겨왔다. 어쩌면 나의 작품 세계 역시 이러한 시대적 운명과 인간 존재에 대한 성찰에서 비롯된 것이라 할 수 있을 것이다.
신영진 作_내부수리중 - 도시를 구해줘_162.1x130.3cm_oil on canvas_2019
작가노트
「내부수리중」 연작
「내부수리중」 연작은 2013년 뉴욕의 한 가려진 상가 창에서 시작되었다.
연구년 동안 맨해튼과 첼시, 소호의 거리를 걸으며 미술관과 갤러리를 찾아다니던 나는 화려한 도시의 이면에서 리모델링을 위해 종이와 테이프로 가려진 창을 발견했다. 구겨지고 늘어진 종이와 테이프, 유리창에 반사되는 빛과 그림자, 틈 사이로 드러나는 내부의 흔적은 더 이상 평범한 도시의 풍경으로 보이지 않았다. 나는 가까이 다가가고, 멀리 물러나 바라보고, 사진으로 기록하고, 틈을 들여다보았다. 내부에서 들려오는 망치와 전동공구의 소리에도 귀를 기울였다. 그리고 스스로에게 물었다. “이 이미지는 무엇으로 변할 수 있을까.”
이 질문은 내가 오랫동안 익혀온 회화에 대한 생각을 다시 바라보게 한 계기가 되었다. 대상을 정확하게 재현하는 것에서 한 걸음 벗어나, 하나의 발견을 다른 기억과 경험, 역사와 사회, 예술과 상상 속으로 옮겨보았다. 그렇게 가려진 창은 하나의 고정된 이미지가 아니라 새로운 이야기가 시작되는 화면이 되었다.
「내부수리중-도시를 구해줘!」에서는 뉴욕의 화려한 빌딩과 낡은 골목이 한 화면에 겹쳐지며 도시의 양극화와 구원의 문제로 확장된다. 그 안에서 스파이더맨은 단순한 영웅이 아니라 피로한 도시와 사람들을 구하고 싶은 나 자신의 마음을 투영한 존재이다. 빛나는 십자가와 거미줄은 구원의 상징이자 서로를 끌어올리고자 하는 연대의 이미지가 되었다. 우리나라 대학에서 순수미술학과들의 어려움을 예측한 ‘미술을 구해줘’ 이태원 대형 참사에 대한 구원의 손길을 예측한 그림이 되었다.
「내부수리중-여우와 포도-원치 않아!」에서는 우연히 발견한 창의 이미지가 식당의 음식에 대한 기억과 어린 시절 읽었던 이솝우화 「여우와 포도」를 만나게 된다. 닿을 수 없는 것을 바라보다 결국 그것을 원하지 않는다고 말하는 여우의 모습에서 욕망과 좌절, 그리고 자기합리화라는 인간의 심리를 바라보았다. 하나의 시각적 발견이 개인적인 기억과 문학적 서사로 이동하면서 전혀 다른 의미의 화면으로 변한 것이다. 철학자 욘 엘스터가 말한 ‘적응적 선호 형성(adaptive preference)’-도달하지 못한 대상에 대해 “원래 원하지 않았다”고 말하는 심리-를 환기한다.
「내부수리중-강력한 빈센트」에서는 뉴욕에서 시작된 가려진 창의 이미지가 내가 오랫동안 존경해온 빈센트 반 고흐와 만난다. 고흐의 회화에서 느낀 강렬한 에너지와 빛의 파동은 나에게 하나의 예술적 자극이 되었고, 이를 나의 색채와 붓질, 화면 구성으로 다시 해석하고자 했다. 임시로 가려진 창의 공간에 빈센트의 이미지를 배치함으로써 현실의 공간과 예술사의 기억을 하나의 화면 안에서 교차시켰다.
「내부수리중-천지인(天地人)-양반춤-고이 접어 나빌레라」에서는 뉴욕이라는 낯선 도시에서 느꼈던 한국에 대한 그리움이 선비의 춤과 북두칠성, 천지인의 사유로 확장된다. 가려진 창의 추상적 형태는 한복의 이미지처럼 다가왔고, 화면 속 일곱 명의 선비는 북두칠성을 상징하며 하늘의 이치를 깨닫고 시공을 초월하고자 하는 인간의 마음을 표현한다. 하늘과 땅, 사람을 연결하는 천지인의 사유를 통해 한국적 정체성과 인간의 자유에 대한 생각을 담았다. 뉴욕의 현장에서 시작된 발견과 관찰의 기록은, 상상과 조합의 단계에서 선비(양반)의 춤으로 구체화되었다. 화면 상단의 7명의 선비는 북두칠성을 상징하며, 인간이 하늘의 이치를 깨닫고 시공을 초월하려는 마음을 드러낸다. 상단의 초록빛 창은 하늘, 화면 하단의 기하 형태로 벌린 두 손은 땅을 상징하며, 오른쪽의 서예 ‘天地人’과 붉은 국새 형식의 인장(“대한민국”)은 사람을 매개로 하늘과 땅을 잇는 한국적 세계관을 환기한다. 붉은 방 하나는 현실 세계를 지시하며, 보라–청록의 색면은 긴장과 고요를 동시에 품도록 조정했다.
이 작품을 통해 ‘우리 민족의 품격’을 그리고자 했다. 선비의 춤사위는 단순한 귀족적 제스처가 아니라, 욕망의 무게를 덜어 가볍게 사뿐히 오르는 자유의 몸짓이다. 이는 ‘홍익인간’의 정신과도 연결된다. 또한 한국 회화의 지형-문인화·민화·무속화 등-이 신분과 삶의 층위 속에서 어떻게 생성·향유되었는지에 대한 나의 오랜 질문과도 맞닿아 있다.
이처럼 네 작품은 서로 다른 이야기를 담고 있지만 출발점은 하나다. 일상에서 발견한 하나의 이미지다. 나는 그 이미지를 그대로 재현하기보다 관찰하고 탐색하며, 기억과 경험을 연결하고, 상상과 조합을 통해 새로운 이미지와 이야기로 변화시켰다.
이번 전시에 출품하지 않은 「내부수리중-전쟁의 비극」에서는 공사 중인 창이라는 일상의 이미지가 전쟁과 가스실, 역사적 기억으로 이동했다. 러시아와 우크라이나의 전쟁과 피카소의 「한국에서의 학살」을 연결하면서 전쟁이 인간에게 남기는 비극을 이야기하고자 했다. 이 작품은 원화가 아닌 작품의 이미지가 NFT로 매매되는 경험으로도 이어졌다. 이를 통해 하나의 회화가 물질적 원본에 머무르지 않고 이미지와 서사의 형태로 다른 공간과 맥락으로 이동할 수 있다는 가능성을 생각하게 되었다. 이 작품들은 서로 다른 이야기를 담고 있지만 출발점은 같다. 이러한 작업 과정은 이후 내가 제안한 Ixplore Art(IA)라는 창작방법론으로 정리되었다. 발견-관찰-탐색-수집-연결-상상-조합-제목 설계-제작-순환평가의 과정이다. 「내부수리중」은 이 방법론을 설명하기 위한 예시가 아니라, 작가로서 실제 작업하는 과정에서 먼저 탄생한 작품들이며, 그 작업의 경험을 되돌아보며 하나의 창작방법론으로 정리한 결과이다.
그래서 나에게 ‘내부수리중’은 단순히 공사 중인 공간을 의미하지 않는다. 오랫동안 익숙해진 나의 회화와 시선 역시 끊임없이 수리하고 변화시켜야 한다는 뜻이다. 하나의 이미지가 질문이 되고, 질문이 상상으로 이어지고, 상상이 새로운 작품이 되는 과정 속에서 나는 나 자신이 어떤 화가인가를 다시 묻는다.
허계 作_소나무01-11_80.3x130.3cm_Mixed media on Canvas_2001
작가노트
수도여자사범대학 미술학과와 경희대학교 교육대학원 미술교육과를 졸업하였다. 이후 동덕여중·고등학교 교사를 거쳐 동덕여대 산업미술과 조교수, 세종대학교 예체능대학 회화과 부교수를 역임하며 후학 양성에 힘썼다.
1972년부터 50여 년이 넘는 오랜 기간 동안 삶의 감각에 밀착한 창의적인 회화 표현을 일관되게 탐구해 왔다. 특히 꽃, 정물, 연, 소나무 등 우리 주변의 친근한 자연물을 소재로 삼아, 대상이 지닌 본연의 생명성 표현 양식을 화면 위에 충실히 구현해 내고 있다.
자연의 대상을 단순히 재현하는 것에 그치지 않고, 2차원의 평면으로 재해석하여 형태를 단순화하거나 과감하게 생략한다. 이를 통해 대상의 외형 이면에 숨겨진 본질과 작가 내면의 심상적 표현을 예술적으로 작품화한다.
또한, 과감한 색의 충돌 표현을 활용하여 화면에 역동적인 운동감과 팽팽한 긴장감을 불어넣는다. 이러한 독창적인 시각적 형식은 자연이 가진 무한한 생명 표현 형식을 더욱 강렬하고 깊이 있게 완성해 준다.
자연의 유기적 호흡을 화면 위에 현대적 조형 언어로 재구성한다. 이 과정에서 발생하는 색채 간의 미세한 진동과 유연한 여백은 화면에 고유한 조화로움을 부여한다. 특히 대상의 평면화를 통해 유도된 공간미와 생동감은 찰나의 자연을 영원성의 미학으로 극대화하며, 생명성에 초점을 맞춘 자유롭고 순수한 조형 세계를 구축한다.
한국 전통의 기운생동(氣韻生動)을 현대적으로 계승한 '연과 소나무'는 상생의 상징인 소나무와 품격 있는 연을 통해 긍정적인 생명의 에너지를 발산한다. 수직과 사선으로 과감하게 생략되고 강조된 줄기와 잎은 색과 형태의 강렬한 대비를 이룬다. 하늘을 향해 무한히 뻗어나가는 소나무의 상징성과 이러한 시각적 대비가 맞물리면서, 화면에는 독창적인 생동감과 힘찬 운동감이 넘실거리게 하고자 한다.
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vol.20261020-일곱 개의 눈, 그 빛나는 시선들 展